Antony Gormley, uno scultore contemporaneo molto celebrato le cui opere sono riconoscibili a livello globale, è famoso soprattutto per i suoi interventi di arte pubblica su larga scala. Gormley è affascinato dalla forma umana e vi fa riferimento nella maggior parte dei suoi lavori, con sculture che spaziano dal semirealistico al semi astratto. Uno dei motivi ricorrenti di Gormley è il suo uso di più figure umane all'interno di un'unica opera, collocandole in luoghi naturali o urbani inaspettati: in tal modo, si interroga su come gli esseri umani interagiscono con l'ambiente e come si inseriscono nel paesaggio in cui abitano.
Alla fragilità della forma umana si contrappone l'uso da parte di Gormley di materiali industriali come cemento e ghisa, che conferiscono matericità e solidità alle sue opere, conferendo loro un senso di permanenza e permettendo loro di sopravvivere negli ambienti esterni in cui spesso si trovano posizionato. Gormley è ampiamente considerato come lo scultore più famoso della Gran Bretagna con opere d'arte pubbliche permanenti esistenti in località di tutto il mondo, tra cui la spiaggia di Crosby di Liverpool, le Alpi austriache e San Paolo in Brasile.
Antony Gormley è nato a Londra nel 1950 da genitori benestanti le cui convinzioni cattoliche si sono esplicitate, nel corso della sua adolescenza, in severe forme di disciplina che hanno contribuito a plasmare la sua visione d’artista in età matura.
Ad Ampleforth, il collegio benedettino dello Yorkshire, Gormley scoprì rapidamente una naturale inclinazione verso le arti, con una particolare predilezione per la falegnameria, l’artigianato e la produzione di mobili, vincendo vari premi d'arte scolastica e dipingendo un murale nel cortile della scuola quando aveva solo 13 anni.
Sebbene Gormley volesse assecondare la sua natura artistica i suoi genitori lo spinsero verso il mondo accademico, spingendolo ad iscriversi al Trinity College di Cambridge dove si laureò in archeologia, antropologia e storia dell'arte. Dopo la laurea trovò lavoro dipingendo murales, cosa che gli permise di girare per il mondo, recandosi anche in India e Sri Lanka, dove studiò la meditazione e contemplò l’idea di diventare un monaco buddista, prima di scegliere di continuare a seguire la sua passione per l’arte.
Colpito dal modo in cui le persone che aveva visto durante i suoi viaggi avevano creato uno spazio privato in luoghi pubblici coprendosi con un pezzo di stoffa, realizza i suoi primi calchi in gesso che coinvolgono la forma umana. Ma la forma umana era solo uno dei soggetti dei suoi primi lavori.
La svolta di Gormley arrivò nel 1981 con Bed, un’opera in cui 8.640 fette di pane venivano impilate per creare le dimensioni di un letto matrimoniale, mentre Gormley mangiava una sezione al centro così da adattarla alla forma del suo corpo.
Gormley passò quindi alla produzione di sculture figurative, principalmente in piombo, che avrebbe poi abbandonato dopo aver scoperto che lo stava avvelenando. Ha iniziato a realizzare i primi calchi del corpo durante questo periodo, usando il proprio corpo come significante spirituale per tutte le persone.
Sempre più spesso, all'inizio degli anni '80 Gormley è stato attratto dall'esame delle questioni dell'umanità in relazione all'ambiente. Ha realizzato i suoi primi calchi di tutto il corpo per Three Ways: Mould, Hole and Passage nel 1981. Continuando, ha variato materiali e posizioni (accovacciato, in piedi, in ginocchio, sdraiato), a volte distorcendo la figura umana (come allungando il braccia) o sostituendo i lineamenti umani con altri oggetti (ad esempio mettendo una trave fusa al posto della testa)
Questo senso è stato ancora più pronunciato nei progetti Field che hanno permesso a Gormley di vincere il prestigioso il Turner Prize. Ciascuna delle installazioni Field era composta da decine di migliaia di piccole figure di terracotta dallo sguardo fisso stipate in una sala della galleria di fronte all'ingresso, rendendo così i visitatori della galleria al tempo stesso osservatori e osservati.
Le figure di Gormley sono in posa neutrale, semplificate, ripetitive e prive di tratti del viso. Ciò rimuove la capacità dello spettatore di trarre spunti emotivi dall'espressione e dalla postura ed è, quindi, difficile dare un'interpretazione narrativa diretta alle sue opere.
Le figure esistono semplicemente nell'ambiente in cui sono state collocate, ma la loro presenza e il loro aspetto spingono chi le osserva a provare inquietudine: le opere sono riconoscibilmente umane, se viste da lontano, ma a un attento esame la loro umanità è meno evidente.
Il lavoro di Gormley ha preso un'altra svolta quando ha iniziato a posizionare le sue figure nude a grandezza naturale nello spazio esterno. Gli ambienti naturali infatti hanno esaltato la fragilità della forma umana e in qualche modo hanno cambiato le domande filosofiche evocate dalle opere di Gormley. Per Another Place ad esempio, Gormley ha posizionato 100 figure in ghisa rivolte verso il mare su un tratto di spiaggia di 3 chilometri. Particolarmente rilevante fu la sua installazione Event Horizon a Manhattan: un’opera consistente in 31 sculture umane collocate nel distretto di Flatiron, alcune disposte a terra, e altre sui tetti e sui cornicioni nelle vicinanze del Madison Square Park.
Dopo la vittoria del Turner Prize, Gormley venne incaricato di creare The Angel of the North, forse l'opera d'arte pubblica più grande e più famosa della Gran Bretagna. L’opera che raffigura una figura antropomorfa ma con delle ali al posto delle braccia si trova all’interno di una miniera di carbone in disuso ed è diventata nel tempo un potente simbolo di stabilità e resistenza.
Nel 2017 l'opera Gut V di Antony Gormley è stata aggiudicata da BLINDARTE a 337.000€